Aristides Ureña Ramos - muralista desde Italia / Panamá

Lean nuestra entrevista con el muralista Aristides Ureña Ramos desde Florencia, Italia. Periódicamente, él realiza obras murales en Panamá y nos contó sobre su trabajo, oscillando entre Italia y Panama. Pueden encontrar más informaciones sobre su trabajo en su blog: proudelas.blogspot.com


¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> Creo que para mi fue fácil, ya que soy un artista multidisciplinar, así que fue una consecuencia lógica e inmediata.

Describe tu propio estilo.
>> Soy un manipulador de ambientaciones, tiendo a integrar “los estilos”, creando un popurrí de “intentos” que me ayudan a plasmar mis ideas. Y por eso me pongo fuera de la problemática estilística, y concentro toda mi energía en los elaborados de mis proyectos.

¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> Yo vivo en Florencia, Italia y estoy mucho tiempo en Santiago de Veraguas, Panamá, así que son dos realidades complemente distintas entre ellas, pero llenas de contradicciones que me estimulan en la realización y adaptación de la cultura de lo bello en mi ciudad natal. Allí, estoy trabajando en un gran complejo mural, que se esfuerza en el embellecimiento de la ciudad.

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> Bueno, claro que si, los frescos renacientes de Florencia, no solo los más famosos, me encantan los murales del 1400 de artistas desconocidos, que bien sabían adornar los ambientes...y claro la experiencia de los pintores renacientes Andrea del Sarto y del Domenico Ghirlandaio.

¿Cuál sentido tiene el arte urbano para ti?
>> Creo, que el proyectarse en un arte, que sea para el gozo y deleite de la colectividad, hace vivir en forma distinta esta grande aventura que es la experiencia artística. El punto es, que tus creaciones, nacen y se desenvuelve con la gente. Un dialogo que pone a dura prueba nuestras certezas. Y con el resultado de madurar nuestras convicciones y muchas veces cambiarlas. Y creo que es una buena Academia de vida.

Simer, artista grafitero desde Nicaragua

Les dejamos una entrevista con Simer, artista grafitero desde Nicaragua, y algunos fotos de piezas suyas en Nicaragua, El Salvador y Guatemala. Más sobre Simer en su blog: simelogik1



¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> Empecé porque estaba aburrido del arte convencional y pensé en crear nuevas alternativas mas abiertas en mi vida.

Describe tu propio estilo.
>> Mosaicos salvajes.

¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> >> Muy buena, de gran calidad y muchos talentos muy abiertos en temas en general.

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> Antes, cuando empecé, un par de amigos de mi país.

¿Cuál sentido tiene el arte urbano para ti?
>> Expresar lo que más pueda en las calles con sentimiento para que todo público lo pueda ver, sea pobre o rico. Esta para ambas clases sociales.

Serán exhibidos artistas de "de mi barrio a tu barrio" en la galería Neurotitan en Berlín

En verano de 2012, se presentará una exposición multimedia del proyecto “de mi barrio a tu barrio” en la galería Neurotitan en Berlín, Alemania. Aparte de retratos de todos los artistas involucrados, se expondrán fotos y videos de los eventos que tuvieron lugar en los países de la región.

Haga clic AQUÍ para una vista en 3D de la galería Neurotitan.
(fotografía de galería Neurotitan, 06.04. - 10.04.2011
Inkygoodness Character Totem Show & Ryan Quincy "THAT WAS THEN...THIS IS FOREVER")

La galería y tienda de arte Neurotitan, ubicado en el centro de Berlín, es el centro de las actividades de la asociación Schwarzenberg e.V. Tiene una oferta poco común que reflexiona la diversión de la escena artística y cultural de la capital alemana y no se somete al mainstream. Apoyando preferentemente artistas y músicos que oscilan entre experimentos, sub cultura y el sistema establecido, Neurotitan es a lo mismo un espacio para presentar sus obras ante el público. En eso le ayuda una red multinacional de artistas que se mueven entre la vanguardia y la sub cultura y que por lo general están fuera del mercado oficial de arte. La tarea y la meta de la galería es atravesar esas fronteras. Condición es que los artistas que se presentarán colaboren en el trabajo conceptual.

La primera exposición en la galería Neurotitan tuvo lugar en 1996. Hasta hoy día los 300 metros cuadrados se utilizaron para aproximadamente 80 exposiciones. Adicionalmente la galería da espacio a conciertos, lecturas, performances y cooperaciones con festivales.

Agradecemos a la galería Neurotitan y a la asociación Schwarzenberg e.V. para darnos la oportunidad de exponer el gran talento de arte urbano que tenemos en la región en uno de los lugares más famosos para el arte urbano en Berlín.

Cisco Merel, artista urbano desde Panama

Lean nuestra entrevista con Cisco Merel, artista urbano desde Panama. Si quieren conocer más de su arte, visitan su página web: www.ciscomerel.com

¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> A mediados de los 90s, con influencias del skateboarding, empezó todo como un juego. Poco a poco me fui metiendo más en serio, quería pintar cuadros pero las pinturas para pintar eran muy caras así que me fui a una ferretería, me compré unas latas y empecé a experimentar sin limitación de soporte.




Describe tu propio estilo.
>> No me defino con un estilo en particular, pero mis últimos trabajos son mucho más una mezcla entre abstracto y figurativo con muchos colores.

¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> Es muy pequeña la escena. Creo que poco a poco el movimiento va creciendo. Hay mejores pinturas ahora y más información. Ya no hay queja si vas a pintar!

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> Si!! Más que artistas, son amigos que han macado mi vida profesional como personal.
Sumo(PTY), Demon Slayer (LA), Above (CA), Ripo (NY), DaCruz(FR), Ment(Rio), Bruno Big(Rio), MGA(Rio).

¿Cuál sentido tiene el arte urbano para ti?
>> Conocer gente, compartir, viajar y descubrir nuevos lugares, poder trasmitir lo que llevo por dentro y hacer lo que más me gusta: cada día pintar!

Arte urbano "paste-up" desde Trinidad y Caracas

Vean los paste-ups de Jennifer desde Trinidad y lean nuestra entrevista con ella.

¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> Desde siempre, me interesé mucho para la escena urbana. Crié en una ciudad, y como andaba a pie por muchos lados, me percaté de los dinámicos de la calle, donde todo ocurre rápido y siempre hay cambios. Una forma de vincularse a estos dinámicos es volverse parte de ellos – y arte urbano me parece una manera divertida de hacer eso: es una forma sencilla y efectiva de establecer un diálogo entre tus ideas y el entorno que creó estas ideas.

Describe tu propio estilo.
>> Mi estilo es todo sobre narrar historias, sobre temáticas importantes y caracteres diarios. Por eso, me gusta mostrar expresiones, rostros, caras y, si se me hace posible, también ambientes. Para lograr eso, los esténciles me convienen mucho: puedo caminar en la calle con mi cámara, ver a un gesto perfecto para estar grabado y convertirlo en algo de lo que me podrá acordar a través de pasar por el lugar donde lo pinto.

¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> Bueno, crecí en una ciudad muy populosa (Caracas, Venezuela). Ahí, los dinámicos se distinguen mucho de la ciudad en dónde vivo ahora (Port of Spain, Trinidad). Aquí, arte urbano se convierte más y más notable. Cuando puse mi primer tag aquí, se sintió como invadir un espacio virgen, pero poco a poco pude ver piezas de arte urbano muy lindas en todas partes de la ciudad. Me alegran mucho estas obras, porque no son garabatos ordinarios sino piezas muy distintas que demuestran buena habilidad y creatividad.

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> Se escuchará muy cliché, pero si tendría que mencionar alguien, sería Banksy. Aparte, el solo hecho de caminar por la calle me inspira, porque la atmósfera urbana es tan llena de colores, texturas, ambientes y palabras. Si además encuentras intervenciones urbanas con técnica impecable, no importa quien las hizo – para mí, se trata de tomar el arte como lo que es y aprender de él.

¿Que sentido tiene el arte urbano para ti?
>> Para mí, arte urbano es un dialogo con los ciudadanos establecido por las dinámicas de la calle. Arte urbano narra historias maravillosas a cada quién que quiere escuchar.

Afiche para "de mi barrio a tu barrio"

Diseño por Jim Avignon

Holger Beier tocando en la Virada Cultural 2010 en São Paulo

El DJ alemán Holger Beier será parte del proyecto "de mi barrio a tu barrio", tocando como DJ en cada país, invitando también a DJ’s y bandas locales.

Holger ha ganado notoriedad tanto como productor para el Instituto Mexicano del Sonido como también en los antros desde Berlín hasta São Paulo. Vean abajo uno de sus conciertos del año pasado en la “Virada Cultural 2010” en São Paulo: Ahí, Holger y algunos amigos suyos tocaron en la "Sacada Da Virada", acompañados por proyecciones de video en uno de los edificios los más espectaculares en el centro histórico de São Paulo:



El sonido que viene del escenario del DJ está dividido en varias frecuencias que están directamente conectadas con las proyecciones. Los gráficos responden al sonido del bajo.

A través de usar sus celulares, el público puede influir sobre los proyecciones en la arquitectura: Mensajes SMS aparecen en la pared en forma de PIXAÇOES de gran tamaño.

Pixação es un estilo único de grafiti, nacido en São Paulo, Brasil. Consiste de “tagging”, hecho en un estilo distinto, críptico, sobre todo en muros y edificios vasillos. Muchos artistas de pixação rivalizan por pintar los lugares los más altos e inaccesibles, usando técnicas como gatear o bajar por cuerdas para alcanzar estos sitios. Pixação ha inspirado y formado muchos artistas urbanos brasileños, como por ejemplo Os Gemeos.

Más información sobre el proyecto se puede encontrar en la página web de bungalow agency:

Arte urbano "paste-up" desde Costa Rica

Lean la entrevista con Jairo Miranda, artista de paste-up de Costa Rica.

¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> Todo empezó como una válvula de escape; como una forma de expresión personal; un grito visual. Silencioso. Algo tenía que decir en las paredes de San José. El primer "paste up" que pegue por la ciudad fue un insecto (uno que hace muchisimo ruido) así la chicharra (cigarra) llamaba la atención. En ese tiempo (2004) no se veía mucho "paste up" en Costa Rica, sí existía ya un movimiento de graffiti fuerte en los alrededores de la Universidad de Costa Rica, San José centro y barrios; sin embargo yo todavía no había visto el arte callejero como un poster pegado. Inspirado por la urbe, sociedad y naturaleza; teniendo acceso a herramientas tecnologicas (pc, scanner, impresora, camaras digitales, etc) seguí experimentando con imagenes en digital primero y luego impresiones fracmentadas que pegaba por la ciudad. Me alegra saber que otros artistas costarricenses se apropiaron luego de la tecnica e hicieron sus propuestas en "paste up" y que ya no es raro ver todo tipo de posters, fotografías y diseños pegados en los muros.

Describe tu propio estilo.
>> Pego fotografías y diseños en las superficies de la urbe. Digitalizo pequeños objetos, insectos, pajaros, recortes de periódico y revistas; hago fotografías digitales de lugares, cosas y personas; estas imagenes las proceso con programas de edición que luego imprimo en papel. Busco un sitio adecuado y hago la intervención. Uso lo efímero como concepto. Documento los procesos de montaje y desgaste de la obra causado por el tiempo y los elementos naturales.

¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> Acá en Costa Rica hay muchos artistas talentosos, no solo en la capital si no también el las provincias. El problema que tenemos es que aquí hay mucho individualismo, no hay algo que una las diferentes disciplinas artísticas callejeras e iniciativas como un bloque fuerte de expresión popular. Hace falta más interés de los medios de comunicacion, mas presencia en internet, apoyo de los gobiernos locales y patrocinadores. No estamos del todo mal, pero podriamos estar mucho mejor. Hay festivales urbanos en diferentes partes del pais que unen la música, danza, acrobacia, graffiti, paste up, etc. algunos apoyados por el sector público y otros con la empresa privada. Este tipo de arte es muy atractivo para los jóvenes que pueden encontrar en el una forma de decir algo, de expresarse por medio del arte, es una muy buena forma de crear un canal de comunicación con ellos.

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> La principal fuente de inspiración que tuve cuando niño fue la televisión, poder observar ese torrente de imagenes y sonidos en la pantalla creó en mí una fascinacion con la imagen que todavía tengo. Recuerdo mucho también las esculturas y pinturas que ilustraban una vieja Biblia de mi familia. Internet tiene una gran influencia en mi trabajo hasta hoy. El arte prehistorico con sus murales en cuevas, arte Naif, el renacentismo, los impresionistas, el expresionismo abstracto, el Pop Art, Surrealismo, Dalí, Pablo Picasso, Pollock, Warhol, Da Vinci, Rodin, Tapiez, Mondrian, Banksy; los artistas costarricenses Francisco Amiguetti y el escultor José Sancho. Del cine: Fellini y Pedro Almodovar; de la literatura: Gabriel García Marquez, Ernesto Sabato y muchisimos otros.

¿Que sentido tiene el arte urbano para ti?
>> ¡Libertad! ese es su sentido mas puro para mi. El arte urbano es popular, directo, profundamente democrático, hiperactivo y sorprendentemente variado, ha logrado desaparecer las históricas barreras que hay entre arte y espectador, oponiéndose a conceptos de élite, escapa del museo, al curador y al galerista. Es un arte horizontal que no se comercia, no se compra ni se vende, termina con la idea de obra de arte como objeto comercial de lujo, es por definición subversivo; por eso es generador de un debate que invita al diálogo, la participación y reflexion, evitando así el monólogo aséptico que ofrecen las obras de museo y su pretenciosas exhibiciones. Al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados: sorprende a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje sedicioso que crítica a la sociedad con ironía y sarcasmo invitando a la lucha social, la crítica política o simplemente a la reflexión.

9 pinceladas: Entrevista con Jim Avignon

"9 brushstrokes" ("9 pinceladas") es el título de una serie de entrevistas publicado por el blog de arte plaztikmag.com. Cada entrevista se limita a 9 preguntas cortas.

Lean abajo las respuestas de Jim Avignon. ¡Gracias a plaztikmag.com!

1. ¿Cuál es tu material favorito para trabajar?
Jim: Cartón encontrado en la calle y las expectativas de la gente

2. ¿Para qué darías todo? ¿Amor o un trago en las 3 de la mañana?
Jim: ¿No puedo escoger ambos?

3. ¿Quíen / Qué / Dónde está en este momento inspirador para tí ?
Jim: Entropía.

4. ¿Cuáles son tus metas para el próximo año? Plata? Belleza? Grandeza? Jubilación?
Jim: Mi meta es que haya otro año.

5. ¿Porqué deberíamos mirar a tus creaciones?
Jim: Porque llevan una belleza triste y bonita la cuál no se encuentra tan fácil en otro lado.

6. ¿Quién te apoyó lo más en tu carrera?
Jim: Mis amigos y mi pequeña familia. A veces necesito estar distraido del trabajo, y ellos saben como hacerlo.

7. ¿Qué te vuelve loco?
Jim: No me gusta en cuando los computadores y aplicaciones empiezan hacer actualizaciónes estúpidas y no les puedes parar.

8. ¿Qué dirá tu tumba?
Jim: Listo para ir a ningún lugar.

9. ¿Dónde o bajo de cuál influencia estás lo más creativo?
Jim: Estoy mejor en trenes, especialmente los que van de oriente a poniente.

fotografía: Mimzy para Plaztik Mag, disparado en Factory Fresh, Nueva York.

Jim Avignon – El pintor más veloz del mundo

Quién es Jim Avignon, el artista quien llegará a Centroamérica y al Caribe para pintar murales con talentos locales?

Jim Avignon es una de las figuras más extraordinarias del panorama artístico de la actualidad alemana. Vive y trabaja en Berlín, pero siempre está de viaje y ya ha hecho carrera como autodidacta, que es, fuera del sistema artístico que conforman las academias, galerías y museos.

Jim Avignon ha nacido o en Munich o en Tokio o en Estocolmo y ha crecido probablemente en una idílica aldea de la Selva Negra. Si se da crédito a las notas biográficas que acompañan las casi innumerables exposiciones ha trabajado de panadero y conductor de ómnibus de colegio, de marinero en un buque-tanque con el cual dio la vuelta al mundo o fue maestro de niños en un kindergarten del extrarradio de Moscú. La figura Jim Avignon es una figura artística. De manera que los datos biográficos aparecen a veces tan vagos como variables. Pero, la figura artística Jim Avignon encubre a un pintor de pura cepa y a un músico igualmente real. Parece cierto que el pintor tiene que tener 37 años de edad, es más bien de estatura pequeña, vive y trabaja en Berlín y está permanente de viaje. Ha pintado miles de cuadros. Y desde hace años se da el gusto de causar una fuerte confusión en el sistema artístico establecido, jugando de forma virtuosa con sus reglas y métodos. Jim Avignon es uno de los pocos que ha logrado infringir impunemente las férreas leyes del mercado del arte y ha obtenido al mismo tiempo un reconocimiento internacional. Ha dado acceso a sus obras artísticas a un gran público eludiendo los tradicionales centros comerciales del arte establecido.

Todos hemos visto en algún lado los cuadros de Jim Avignon en Alemania, porque por donde vayamos nos tropezamos con ellos. Adornan las páginas de titulares de las ediciones extraordinarias del semanario DER SPIEGEL o las aletas de cola de los aviones de la filial alemana de British Airways y aparecen casi con la misma frecuencia en la exposiciones de arte contemporáneo en los museos alemanes, en los grandes almacenes comerciales, en galerías de arte y en pizarras de publicidad.

Pero, sobre todo, las veloces pinturas de Jim Avignon se encuentran donde están sus raíces: en las numerosas veladas de clubes y en fiestas "techno" en todo el país; pero muy frecuentemente allí donde se consolida la nueva capital de la música alemana, con la cual Jim Avignon está muy vinculado, y donde él vive desde hace más tiempo: en Berlín. Es el cronista y comentador de la veloz vida nueva.

La rapidez es una característica principal del arte de Jim Avignon. Es capaz de producir 200 cuadros de gran formato en tres semanas. En una noche pintó simultáneamente 500 metros cuadrados para una exposición en la Universidad de Francfort y una serie de comics [los Örks] para el Primer Canal de Televisión de Alemania [ARD]. Ha llevado a la desesperación a algunos galeristas por haber preferido pintar las obras en el lugar de la exposición poco antes de la inauguración.

Su increíble productividad persigue dos objetivos y la alta velocidad de trabajo obedece en primer lugar a las condiciones de producción de su arte. Sus obras expresan la sensación de vida de la "generación techno". El "pulso del tiempo" se mide en "beats" por minuto. El arte de de Jim Avignon nació en el entorno del acelerado mundo de la música electrónica. Sus primeras grandes exposiciones fueron las decoraciones y coreografías para los grandes "partys" con música ácida [RAVES] de los tempranos años noventa. Hasta nuestros apenas pasa una semana sin que "pinte" alguna fiesta en Alemania o en algún otro lugar del mundo.

Otro aspecto importante de su velocidad al pintar está relacionado con la posición adoptada por el "Ticiano del techno" [DER SPIEGEL, semanario] con respecto al mercado del arte. Jim Avignon es en el fondo el representante más importante y el verdadero fundador del movimiento denominado "cheap-art". A él no le interesa ver desaparecer su arte en galerías y museos exclusivos. El arte debe estar al alcance del bolsillo de los ciudadanos de a pie y formar parte de la vida cotidiana [y seguir siéndolo]. Si se acude al taller de Avignon se puede adquirir hoy aún por pocos centenares de euros un cuadro de grandes dimensiones, habida cuenta de que sus obras se han subastado ya a precios de cinco dígitos. El mantenimiento de precios bajos supone la venta de grandes cantidades.

Jim Avignon se hizo conocido entre el amplio público debido a una acción desarrollada en la Documenta X en Kassel en 1992. Durante 13 días pintó allí diariamente un cuadro de gran formato y lo destruyó en la misma tarde ante los sorprendidos ojos del público y muchas veces incluso con su ayuda. La crítica artística oficial consideró que esto era una provocación. ¡Cómo se atrevía alguien ante las puertas de una de las manifestaciones internacionales más importantes de la alta cultura criticar el estado de la creación y comercialización del arte de manera tan convincente como espectacular! La crítica de Avignon – envuelta en una "performance" aparentemente absurda y espontánea – va dirigida a un sistema artístico que, por un lado, estiliza la obra de arte como si fuera un icono de la religión arte y, por otro, la degenera hasta convertirla en objeto de especulación del mercado artístico y su agentes. En ambos casos pierde tanto el arte como el público. El arte ya no se encuentra donde personas, como Jim Avignon, quieren situarlo: en medio de la vida cotidiana, colgado en las paredes de las habitaciones de la gente común y corriente. O sea entre las personas que por supuesto se interesan por el arte, pero cuyo acceso a él está bloqueado por la política de altos precios que mantienen las galerías y la atmósfera de templo que rodea a los museos. En cambio, Avignon está sinceramente empeñado en democratizar el arte, privarlo de la aureola de genialidad y elitarismo y ponerlo a la mano de la persona que lo desee.

Pese a su alucinante velocidad no puede sustraerse del todo al sistema oficial del arte: la Academia de Bellas Artes de Londres organizó el pasado año un seminario sobre Avignon; es grande el número de publicaciones especializadas dedicadas a él y si con ayuda de "google" buscamos en Internet encontramos más de 2.500 referencias a Jim Avignon. Naturalmente que la pintura no basta a un artista como Jim Avignon. Actúa musicalmente bajo el título de "Neoangin". Su música revela contenidos y formas muy similares a las de sus cuadros: aparentemente pegajosos, coloridos y melosos. Pero si escuchamos y observamos con detenimiento, descubrimos en ellos aguijones, disonancias, ironías y frecuentemente ácidos comentarios con respecto a nuestro nuevo y bello mundo. Además, Avignon publica sin periodicidad fija unos libros que contienen las más importantes obras de los millares que ha realizado. Su último libro "Mundo y conocimientos" acaba de ser publicado por Verbrecher-Verlag [Editorial Delincuentes] de Berlín.


Texto: Goethe-Institut, 2004

Chacuatol, colectivo de grafiteros desde Managua, Nicaragua

Chacuatol es un colectivo de grafiteros desde Managua, Nicaragua. Chequen sus piezas y lean la entrevista con uno de sus miembros, Eyekone

¿Cómo fue que empezaste a hacer arte urbano?
>> El graffiti nace en mí como una inquietud de adolescente. La falta de alternativas de expresión me motivó a voltear la mirada hacia las paredes de la ciudad. Para el año 2001 ya existía un grupo de jóvenes experimentando con la técnica de graffiti. Al ver esta técnica de pintura (entonces desconocida para mí) me cautivó, por lo que empecé a imitar los estilos en mis cuadernos de clase sin saber que esta curiosidad iba a definir mi producción artística 10 años más tarde. La transición del papel a la pared se dio de manera intuitiva y gracias a que en ese entonces un grupo de amigos ya empezaba a pintar en las calles. Conforme el tiempo pasó, fui adquiriendo mayor pericia en la técnica y a tomar conciencia acerca del poder comunicativo que representa el tener la oportunidad de pintar en una avenida, en un barrio, en un parque o cualquier espacio público. Al conocer a otros artistas con las mismas inquietudes decidimos conformar el colectivo chacuatol, con el propósito de mejorar la estética y los mensajes hacia el resto de la ciudad.

Describe tu propio estilo.
>> Hablando de la técnica y lenguaje visual mi estilo es graffiti, entre mis herramientas están: pintura en aerosol, pintura látex, rodos y brochas. Al inicio creo que todo graffitero comienza intentando emular la estética del graffiti tradicional, que son estudios tipográficos y caricaturas inspirados en la cultura hip hop. Conforme fui experimentando con la técnica fui incluyendo otras influencias en mis obras, que incluyen: impresionismo, arte pop, arte precolombino, animación japonesa, ilustración infantil y cubismo. Hablando del estilo como una filosofía, la palabra "chacuatol" lo define muy bien, esta palabra en jerga nicaragüense significa mezcla desordenada y para mí se refiere a la manera en que los procesos creativos se van dando en cada quien. No me gustan los purismos o la gente que pone limitaciones ortodoxas a las producciones artísticas, el estilo de cada quien debería evolucionar constantemente, alimentarse del contexto, informarse y desarrollar nuevas maneras de enlazar al espectador con la obra.


¿Cuál es la percepción que tienes de la escena de arte urbano en la Ciudad en donde vives?
>> Hay muchas iniciativas por continuar utilizando el espacio público como escenario, el interés de parte de los artistas contemporáneos ha ido creciendo en los últimos años gracias a la buena recepción de obras de arte relacionah y las tendencias internacionales que han llevado a la mayoría de exposiciones artísticas a motivar el uso del arte urbano. Existe también un movimiento cultural juvenil apoyado por el gobierno, que ha reactivado el interés de los jóvenes por el muralismo. La escena del graffiti está en desarrollo, hasta hace unos dos años el número de artistas no superaba las 50 personas, actualmente se puede ver una nueva generación de adolescentes queriendo aprender y producir, siguiendo las ideas planteadas por los graffiteros de más experiencia. Cada ciudad tiene una riqueza enorme en expresiones culturales de la calle, se puede observar en un recorrido por las principales avenidas: payasos, malabaristas, puestos de comida ambulante y rotulaciones a mano. Todo este universo de fenómenos culturales me recuerda lo importante que es para los ciudadanos ser parte del entorno an el que vive y como este entorjo puede ser utilizado para generar alternativas de dialogo para todos.

¿Hay artistas quienes tuvieron (o todavía tienen) influencia en tu arte?
>> La lista es enorme, desde mis inicios en la exploración del graffiti hasta la actualidad esta Dorian Serpa, uno de los fundadores del movimiento de graffiti en Nicaragua. Mis amigos Crow, Rek, Keyoe, Dog, Draw, Mikas, Nito, Layzie, Some, Shok, quienes en ese sentimiento de competencia amistosa me han propuesto ideas y opiniones para mejorar mis obras. Luego vienen artistas excepcionales como Da Vinci, Picasso, Van Gogh, que han trascendido y explorado tiempo atrás la manera de representar su realidad. Realmente no podría mencionar a todas las personas que me han influenciado porque creo que la creatividad viene nutrida de todas las cosas que me estimulan estéticamente. Trato de estudiar la mayor cantidad de expresiones artísticas para tratar de construir mi propia visión de las cosas que me rodean, y nunca discrimino la fuente.

¿Qué sentido tiene el arte urbano para ti?
>> El arte urbano para mi es una herramienta muy poderosa, el hecho de poder pintar en un espacio público transforma esta situación en qn ambiente de dialogo entre los espectadores, el lugar y el artista. Se alimenta de la estética popular, la memoria histórica y presenta las vivencias individuales como un intento de encontrar semejanzas en los sentimientos e ideas del resto de la comunidad. Cuando se hace de manera sincera, el arte urbano ayuda a potenciar las características culturales específicas de una ciudad y se expone tratando de aumentar la capacidad de contemplación entre el ruido de la vida cotidiana.

Más sobre Colectivo Chacuatol en su perfil de Facebook:

Holger Beier, DJ para la gira "de mi barrio a tu barrio"

En nuestra gira de arte urbano, Holger Beier participará como DJ y encontrará músicos de los países involucrados. Además trabaja como productor (Instituto Mexicano del Sonido, entre otros) y es parte del proyecto electrónico Le Hammond Inferno:





Desde mediados de los años 90s Holger Beier dirige el sello discográfico Bungalow Records. Desde entonces Bungalow ha lanzado más de 150 discos, como p. ej. Stereo Total, Le Hammond Inferno, Siriusmo, Raumpatrouille Orion, así como las internacionalmente conocidas compilaciones "Sushi 3003" y "Sushi 4004", entre otros.

Actualmente reside y trabaja en São Paulo, Brasil. Con su agencia Bungalow Agency se dedica principalmente a proyectos culturales e intercambios culturales entre Europa y Sudamérica. Durante los últimos dos años ha realizado ya diversos eventos en colaboración con el Goethe-Institut São Paulo, como por ejemplo exposiciones de arte, la Virada Cultural 2010, así como la exposición colectiva Blinddate Berlin en octubre del 2010. En los últimos 15 años Holger Beier ha marcado de forma activa la vida cultural en Berlín y en São Paulo. Tiene un muy buen entendimiento del medio contemporáneo y cuenta con experiencia en la realización de actividades culturales a nivel mundial.